ISIDORO di e con Enrico Ianniello, regia di Pau Miró

da Daniela Palumbo | Apr 26, 2026

(Teatro Biondo – Palermo, 24/26 aprile 2026)

Liberamente tratto dal romanzo La vita prodigiosa di Isidoro Sifflotin, questo monologo vivace e commovente racconta la tragedia dell’Irpinia – il terremoto del novembre 1980 – vista attraverso gli occhi di un ragazzino straordinario, capace di “urlafischiare”, e di farsi amare da tutti.

Ci sono tanti modi per raccontare una tragedia. Questa pièce sceglie di farlo attraverso la narrazione di un bimbo, inventore di una nuova lingua che va oltre le parole. Un bambino fuori dal comune. Prende in prestito il linguaggio degli animali, degli uccelli in particolare, quasi fosse un novello san Francesco in miniatura. Sceglie come migliore amico Alì, un merlo indiano dal nome esotico, compagno fedele oltre ogni ragionevole aspettativa di vita. Esprime e coltiva con gesti semplici il senso di fratellanza tra gli uomini, nella comunità come nel privato. All’interno del piccolo paese come al di là delle frontiere (Sifflotin, dal francese siffler, fischiare, uno dei tanti nomi cuciti addosso a lui). Suscitando in ogni occasione la sana meraviglia, quella che rinsalda i legami buoni e disarma persino le intenzioni più cattive.

La scena è umile e quasi spoglia, solo una seggiola di paglia e un quadrato di mattonelle intercambiabili che ricordano i tasselli di un puzzle o i pezzi di certe costruzioni per bambini. E un odore di paglia misto a polvere antica che giunge fino alla platea, a completare il “quadro”. Così appare la casa che rivive nei ricordi di lui, Isidoro. Una casa povera, dove l’unica ricchezza è la pasta modellata dalla madre, Stella Di Mare, generosa nelle dimensioni ed estrosa nelle forme. Nella “casa di pasta” – trasposizione realistica delle dimore delle fiabe – fioriscono “centrini di pasta, tende di pasta”, tagliatelle che vengono giù dal soffitto come i fili di un ricco lampadario. Tutto quanto “buono come il pane” e tutto quanto allegro, pieno di vita. Effervescente come l’acqua che il papà usava dentro al bidet, al mattino, per “energizzarsi” – curioso e colorito aneddoto che strappa il sorriso. Il ritratto è quello di un’infanzia felice, con un papà e una mamma che “ogni mattina si baciavano sulla bocca”, e tanta gente intorno, ad affollare i quarantasette metri quadrati calpestabili tra cucina soggiorno e camera da letto. Dove letti, tavolini e vasca da bagno, persino, fungevano da divani, sedie e poltrone. E si era felici.

Una casa piccola ma solida, “che nessuno la butta giù”, una casa piena di vita. Ma che dopo il boato, le scosse, i tuoni di quel ventitré novembre “che però il cielo era sereno e pareva già primavera”, viene inghiottita come tomba e quasi sparisce, come la strada che vi conduce (“per dove si va a casa mia?”). E si riduce a un cumulo di pietre, di mattonelle staccate, sbrecciate, ammassate l’una sull’altra come i corpi sotto le macerie, che le mani troppo piccole di un bambino non riescono a tirare fuori. Solo la voce, il fischio, unico filo per restare aggrappati alla vita. Per qualche ora soltanto, tutta la notte e fino a un’alba tardiva, come gli aiuti che giungeranno. E malgrado tutto, la voglia di continuare a cantare, e a cercare l’amore, ricordando gli insegnamenti del padre: “Chi non ha sofferto canticchia. Ma chi ha sofferto, figlio mio, CANTA!”

data di pubblicazione:26/04/2026

Il nostro voto:

MORTE DI UN COMMESSO VIAGGIATORE di Arthur Miller

da Daniela Palumbo | Apr 12, 2026

regia di Carlo Sciaccaluga; con Luca Lazzareschi, Pia Lanciotti, Michele De Paola, Giovanni Cannata, Riccardo Livermore, Silvia Biancalana, Sergio Basile, Andrea Nicolini, Giovanni Arezzo, Domenico Bravo, Eletta Del Castillo, Chiara Sarcona; Produzione Teatro Biondo Palermo

(Teatro Biondo – Palermo, 11/19 aprile 2026)

Morte di un commesso viaggiatore di Arthur Miller debutta a Broadway nel 1949, nel cuore del boom economico del dopoguerra. Ma lungi dal trasmettere “sentimenti” positivi come ottimismo e fiducia nel futuro, l’opera mostra il “lato oscuro della luna”. E la competizione, in campo finanziario più che nello sport, la corsa al “successo”, a costo di ogni sacrificio, diventano una lunga marcia verso il patibolo.

Un progetto di vita comune “comprato a rate” è un progetto fallimentare. Così come un programma di crescita sociale – ciò che si dice “progresso” – basato sulla produttività di ciascuno è ugualmente destinato al fallimento. Questo, in sostanza, il messaggio dell’opera di Miller, in perfetta sintonia con l’epoca contemporanea, i “tempi moderni”.

Elementi apparentemente accessori della scenografia fanno la propria comparsa nel corso della rappresentazione. Sono l’indispensabile frigorifero domestico, sorta di nume tutelare di casa Loman oltre che marcatore di status, e l’incredibile magnetofono, “verità rivelata” ed esibita come una specie di ostensorio sulla scrivania del boss dell’azienda di New York. Volutamente “piazzati” in un angolo della scena ma ben visibili, emblematici di un’epoca, di una “prospettiva”.

Materia inumana e disumana, come disumanizzata è quella terra d’America, da Boston alla Florida, che il nostro Willy Loman, commesso viaggiatore, è costretto a percorrere in auto, malgrado l’età avanzata. Più di mille chilometri per più di dodici ore al dì. Pena l’esclusione dal lavoro, il disastro economico, la disgregazione fisica e morale della propria famiglia. Questo il dramma di Willy il venditore, dopo anni di duro lavoro che lo hanno reso “un tantino stanco”.

Di quest’uomo che non riesce più a fare fronte alle spese di gestione della casa, amministrate dalla moglie con equilibrio e assennatezza. Che non è più in grado di tenere dritto e saldo il volante dell’automobile su strada, idealmente il “timone” della famiglia. Che non è riuscito e non riesce a guidare i propri figli, il primogenito Biff soprattutto, verso una realizzazione personale, nella scelta di una professione come nelle condotte di vita. E che, assorbito dalle proprie ossessioni, non sa “farsi bastare” l’amore della propria sposa, Linda (una straordinaria Pia Lanciotti). Che da sempre lo ama per sé stesso, per ciò che lui è come uomo.

Alla domanda rivoltagli da altri – “Cosa sei?” – lui risponde “Io vendo”. Non con un nome, un’identità, ma con un verbo d’azione, che assimila l’essere ad una “operazione commerciale”. Con un unico “bagaglio”: un campionario di merce da cedere per ricavare denaro, o da barattare con un’illusione fugace (la giovane amante gli concederà i suoi favori in cambio di calze di nylon).

I volti delle comparse che sin dall’inizio si manifestano sulla scena, coperti da un panno di colore chiaro, rievocando i soggetti di certi dipinti – da Magritte a De Chirico – emergono come simulacro di questa umanità negata. Disumanità anonima, come anonimi e disumani sono la città, la strada, il condominio. In una visione che si percepisce attraverso lo sguardo del protagonista, proteso verso l’esterno reale, ma desideroso di guardare oltre, “altrove”. Verso gli olmi della casa del passato, verso un orto dove piantare carote. Verso le giungle dell’Africa o le gelide terre d’Alaska persino, là dove pare volerlo dirottare lo spettro del fratello Ben, partito tantissimi anni prima, a “fare fortuna”.

E il sogno americano evolve verso l’incubo, mentre passato e presente si intrecciano, come le diverse fasi della morte, sotto varie forme, nel corso della vita.

data di pubblicazione:12/04/2026

Il nostro voto:

STORIA DI UN CINGHIALE – Qualcosa su Riccardo III

da Daniela Palumbo | Apr 11, 2026

scritto e diretto da Gabriel Calderón, con Francesco Montanari, scene Paolo Di Benedetto

(Teatro Biondo – Palermo, 08/12 aprile 2026)

(Teatro India – Roma, 22/26 aprile 2026)

Il lungo monologo di Francesco Montanari, diretto dal regista e drammaturgo uruguayano, reinterpreta il Riccardo III di Shakespeare in chiave moderna e personale. In un perenne parallelismo tra opera d’arte ed autobiografia, e fra teatro e vita.

L’attore, unico protagonista di questa pièce, coadiuvato appena da una scenografia palpitante e a tratti sbilenca, recita la parte di un attore. “Qualcuno” che rivendica il diritto di essere “qualcosa”. Dopo anni di estenuanti attese, finalmente un ruolo importante, degno di nota. Finalmente la possibilità di un riscatto, a lungo agognato, un riconoscimento pubblico, all’altezza del proprio talento. Sarà Riccardo III, ma non “l’originale”, quello nato dalla penna del celebre drammaturgo inglese. Poiché Shakespeare “è morto”, e con lui il “pentametro giambico” e l’impalcatura dei valori d’un tempo. Sarà “qualcosa” di simile o affine. Qualcosa di Riccardo III.

Bestia antropomorfa o piuttosto uomo dalle sembianze animalesche, sbuca dal sipario con la testa soltanto, come quei cervi impagliati appesi al muro, macabri trofei di caccia. Quindi si lancia sulla scena, con la voce e la gestualità invadente, dando in pasto alla platea uno charabia che egli stesso definisce “incomprensibile”. Duro da “masticare” e spesso indigesto, una sorta di “intossicazione da versi”.

Della compagnia teatrale che lo affianca e del regista che lo dirige, in questo modello perfetto di mise en abyme, non si vede traccia. Se non attraverso la stessa recitazione di lui, fatta di una mimica variegata e di voci diverse, in continuo sdoppiamento tra il proprio ruolo da protagonista-sovrano e le parti degli altri attori. Dalla regina Margherita con le sue solenni maledizioni alla madre dello stesso Riccardo, figlio aborrito. Parti invidiate (“Un attore ucciderebbe per un monologo come quello!”), quindi usurpate come si usurpa un trono, un regno, una corona.

E ancora si viaggia lungo i binari dell’analogia. Francesco, che racconta sé stesso, è un attore in una famiglia di chirurghi e istruttori di guida. Una “bestia rara” e ridicola, che non sapendo usare le proprie mani per dirigere gli altri o salvare vite, non può far altro che agitare i lunghi artigli, sotto una coltre di pelo disordinato e folto. Quasi un Minotauro esiliato tra le quinte di un teatro, all’ombra d’un palco, “gobbo, losco, torvo”, perso in un labirinto di parole febbrili e di inutili rime.

Cambiando pelle come un serpente, o mutando il mantello (le setole del cinghiale, animale con cui si identifica), Francesco l’attore è dominato dall’ira, dall’intolleranza e dal livore, frutto di sogni inappagati e di ambizioni irrisolte. Fino a collassare sotto il peso delle proprie zavorre, e spogliandosi di tutti gli orpelli, complice lo “spettatore pietoso”, ritrovare la nudità pura e semplice. E con essa l’umanità vera, che è l’essenza del teatro, quello autentico. Il resto è aneddoto, è storia.

data di pubblicazione:11/04/2026

Il nostro voto: